Las películas del pasado a menudo se basan en la música para decirnos dónde estamos. La mayoría, si no todos, los compositores que crearon piezas de época este año sintieron la obligación de reflejar el tiempo y el lugar.
Para la tan esperada secuela de Ridley Scott, Gladiator II, el compositor Harry Gregson-Williams no sólo empleó una orquesta de 90 músicos y un coro de 100 voces, sino que pasó meses buscando un instrumento inusual que evocara el antiguo Imperio Romano: los antiguos vientos hambrientos. , ramas primitivas. , sonidos de batería olvidados hace mucho tiempo.
Incluso visitó el taller de un artesano español que fabricaba y tocaba una trompeta gigante de bronce conocida como carinx. “Parecía muy aterrador, como si se pudiera utilizar como arma de guerra”, dice Gregson-Williams. A estos añadió solistas vocales masculinos y femeninos de todos los colores, incluido uno de Australia y otro de Etiopía; Se puede escuchar a Lisa Gerrard cantando Gladiator de Hans Zimmer al final de la película.
El gladiador convertido en guerrero Lucius (Paul Mescal) tiene su propio tema, con el ney nai (y una línea melódica descendente que alude sutilmente al tema original de Zimmer), y el compositor agrega un violonchelo eléctrico para el motivo “suave y deslizante” del gladiador. . El intrigante jugador de poder Macrinus (Denzel Washington). Esta es la séptima vez que el compositor trabaja con Scott (“Kingdom of Heaven” y “The Martian” fueron otras de sus colaboraciones).
Para el drama Blitz de Steve McQueen, sobre un niño que intenta encontrar el camino a casa durante el bombardeo nazi de Inglaterra en 1940, el compositor Hans Zimmer proporcionó lo que llamó una “sinfonía de horror” para que los adultos experimentaran la partitura más desgarradora y aterradora. Lo que este niño sintió.”
La madre judía alemana de Zimmer fue evacuada a Londres en 1939 y experimentó ella misma el Blitz. “Me contó todas las historias”, dice Zimmer, “pero cuando vi la película, sus historias se convirtieron en una experiencia emotiva y de repente sentí lo que había pasado mi madre”.
Al final de una reciente gira europea, grabó a los miembros de su banda tocando “notas horribles, disonantes y malas” y luego las hizo sonar como una gran sección de cuerdas. También agregó los sonidos de una grabadora infantil para los raros momentos en que George (Elliott Heffernan) es solo un niño de 9 años que se relaja.
El rockero independiente inglés Daniel Blumberg grabó la épica The Brutalist de Brady Corbett en toda Europa con menos de diez músicos. El principal de ellos es el pianista John Tilbury, de 88 años, que “literalmente toca su hermoso Steinway en un cobertizo de su jardín en Kent”, según Bloomberg.
El compositor escribió música antes y durante la producción, incluidos números de jazz para ayudar a definir el período (años 40 y 50), y Corbett tocó sus demos en el set.
“Brady quería que Adrien (Brody, que interpreta a un arquitecto inmigrante en Filadelfia) sintiera y respondiera a eso”, dice. Grabó metales en Berlín, otros pianistas en Francia y sintetizadores (para el final de los 80) con Vince Clarke de Depeche Mode en Nueva York. El tema principal de Blumberg representa al arquitecto Laszlo Toth, un romántico alter ego de su esposa Erzsebet (Felicity Jones).
Alexandre Desplat sabía que no podía rechazar La lección de piano. La obra de August Wilson se centra en una reliquia familiar bellamente tallada en un hogar afroamericano, y el compositor creía que el piano debería ser el sonido. la mayor parte está reservada para los minutos en los que el instrumento se toca en la pantalla.
“Sentí que debería ser como un altar sagrado, algo que se venera, y el piano cobra vida cuando lo abres, no antes”, dice el compositor francés.
El ambiente de Pittsburgh en 1936 atrajo a Desplat por su amor por el jazz de Duke Ellington de la época, por lo que incorporó colores del jazz. Pero como “La lección de piano” también contiene elementos sobrenaturales, añadió un pequeño coro femenino de “voces del pasado” que representan a los antepasados de la familia que son tan importantes para Berniece (Danielle Deadwyler).
“Nickel Boys” presenta una de las partituras menos convencionales del año. Los compositores Alex Somers y Scott Alario grabaron los sonidos de instrumentos tradicionales, coros infantiles e incluso juguetes, y luego los usaron para la novela ganadora del Premio Pulitzer de RaMell Ross sobre dos niños a los que Somers “lentamente, ambientó y texturizó”. Un reformatorio de Florida donde el abuso es rampante.
“Nuestra música es lenta”, dice Somers. “No utilizamos mucha percusión; es un sueño y un entorno. Y la forma en que presenta la historia visualmente combina maravillosamente con algo lento y texturizado. Estamos componiendo desde un lugar puramente emocional y menos desde una celebración cinematográfica que invita a la reflexión.
Ambos compositores visitaron sets de Luisiana y se inspiraron en el lugar antes de regresar a sus respectivos estudios (Somers en Los Ángeles, Alario en Rhode Island) para crear su extraordinario paisaje sonoro.
